Entre códigos+números+arte

Entre códigos+números+arte

por alexmolina

En Temporada 2016 llega Rompiendo Códigos de Hugh Whitemore al Teatro 1887 de la Compañía Nacional de Teatro, La Carne Producciones lleva a escena este buen texto bajo la dirección de Fabián Sales, Nuestra Butaca conversó con este amigo de las tablas para conocer un poco otros aspectos del montaje y la visión del director.

1. Qué nos muestra usted como director en la puesta en escena de Rompiendo Códigos?

- Lo que mostramos es un trabajo en equipo conformado por los actores y especialistas en las diferentes áreas. Como director lo que hago es coordinar a todo el equipo de trabajo para estar de acuerdo en la exposición coherente de ideas, estética y sensibilidad. Con ROMPIENDO CÓDIGOS exponemos principalmente la singular historia de Alan Turing durante los años cuarentas y cincuentas, durante la segunda guerra mundial y posteriormente a ella. La historia de un genio de la humanidad que fue ensombrecido por mediocridades humanas de la época... que lamentablemente siguen vigentes en muchos aspectos en nuestro mundo actual... y también en nuestro país. Además de una propuesta que provoca reflexión relacionada con el respeto a la diversidad, a los derechos humanos, se expone una historia entretenida, con saltos interesantes en el tiempo cronológico, con una mezcla de estéticas que tocan el realismo, realismo mágico, poética-metafórica y el minimalismo... pero sobre todo sostenida por actuaciones verosímiles, expresivas y poderosas.

2. Cuál es la diferencia o aporte fundamental de la puesta del 2016, a la anterior presentada hace unos años atrás?

- Esta es una nueva puesta en escena. Hemos cambiado al 50% del elenco. Hemos permitido que estos seis años de madurez calaran en la puesta en escena y las actuaciones. Sin duda la frescura de los nuevos miembros y la madurez de los que la montamos en el 2010 le dieron nuevas alas a la obra. A quienes ya la vieron y quedaron con ganas de volver a verla, podrán presenciar una obra al mismo tiempo conocida y nueva. Hoy en el preestreno, luego en el brindis, encontramos a personas que la vieron dos y tres veces y particularmente a alguien que la veía por novena vez y le encantó esta nueva versión.

3. Un aspecto importante a trabajar con los actores durante el proceso?

- Como director me especializo en la dirección actoral y eso implica saber que con cada actor el trabajo es diferente, porque cada actor es diferente y tienen diferentes formaciones unos con otros, como asimismo cada personaje es diferente. Por otra parte se debe trabajar el sentido de elenco y de conjunto, de equipo, más allá de las diferencias y conjuntando los aportes de las diferencias y las coincidencias. En esta obra, que desde nuestra idea de puesta toca el realismo, realismo mágico, la poética metafórica y el minimalismo, con una línea cronológica con saltos para adelante y para atrás en el tiempo, fue vital trabajar con los actores individualmente y en conjunto, atendiendo la verdad de cada escena en particular, tanto en lo individual del personaje en cada momento, como de las relaciones entre ellos. Eso fue lo primordial... luego los recursos de multimedia nos ayudan a ubicar al público en qué momento y lugar sucede cada escena.

4. Por qué volver a presentar Rompiendo Códigos?

- Estrenamos esta obra en el 2010 en el mismo Teatro 1887. Hicimos dos temporadas en el Teatro de la Aduana. Estuvimos en la Muestra Nacional de Teatro. En el Festival Nacional de Teatro. En el Festival Internacional de las Artes. En el Festival Internacional de Teatro de Cádiz - España. Por qué volver a montarla? Por qué realizar un nuevo y refrescante montaje? Porque la obra es NECESARIA en este momento. Porque la obra tiene mucho que decir en este momento. Nosotros nos sentimos responsables, podemos decir que con la obligación moral de hacerla. Nuestra manera de hablar es en el escenario y queremos proponer y provocar reflexión sobre temas candentes relacionados con la necesidad del respeto a la diversidad y los derechos humanos. Nos preocupan bastante ciertas actitudes retrógradas de nuestra sociedad, ciertas limitaciones y mediocridades humanas que actualmente provocan violencia, discriminación y no nos dejan crecer como seres humanos y como sociedad. Esta obra arroja luz sobre esto mencionado y, quizá, eso esperamos y por eso hacemos este espectáculo, provoca reflexión al respecto. Por otra parte es un homenaje a un genio de la humanidad.

San José, Costa Rica

17 de febrero, 2016

Si usted no ha visto la obra, le invitamos para que se acerque al Teatro, está de jueves a domingo a las 8:00 pm hasta el próximo 13 de marzo, en el Teatro 1887, CENAC.
También puede consultar Ahora en Cartelera para más información.

entrevista a Cristina Barboza directora de el extraño mundo de Frank Wedekind

entrevista a Cristina Barboza 

directora del extraño mundo de Frank Wedekind

por Melissa Vargas

Nuestra Butaca

segunda entrega

Cristina Barboza, la otra directora de esta temporada, hizo una adaptación del texto de Frank Wedekind, Despertar de Primavera, a una realidad más cercana a la nuestra con todo esto del despertar sexual y la represión del mismo en los sistemas educativos.

¿Cómo fue que nació la iniciativa para montar esta obra?

Inicialmente partió de cursos de la escuela de artes dramáticas, primero partió de un curso que se llama seminario de autores donde hice un análisis a partir del texto de Wedekind y Fernando Vinocour. Digamos, de esas lecturas a mí me quedó como la espinita, y ya en otros curso de puesta en escena, decidí emplearlos para ejercicios. Luego de puesta en escena III, yo ya pensaba que quería hacer más un montaje para un público, no sólo para un curso de la escuela. Y mandé mi propuesta al concurso de jóvenes directoras y ganó. Más o menos llevo como dos años de estarlo desarrollando, desde el 2011 hasta la fecha, pero ya de trabajar con los actores, llevo un año trabajando. Al inicio eran sólo nueve pero agregué dos personajes más.

Yo hice una readaptación de los textos de Wedekind y Vinocour, es decir, cambié parlamentos y los hice un poco más contemporáneos, más cotidianos para que fuera mucho más cercano a la gente que viniera a ver el trabajo. Y además porque, no me gustaba por ejemplo… el final, es también como mi cambio dramatúrgico.

¿Cómo ha sido la experiencia de hacer este tipo de montaje con esa escenografía tan peculiar que es la del uso del papel a lo largo de toda la obra?

Inicialmente el espacio iba a estar vacío, absolutamente vacío, siempre pensé que quería elementos rojos, que tienen una relación específica con el placer y el secreto, los teclados para representar un poco más claro el sistema educativo en el que estamos ahora donde todo tiene que ver con tecnología y después…yo iba a usar papel en sólo una escena, pero, después los actores estaban demasiado felices y propusieron muchas cosas. Me di cuenta que entonces la obra era sobre eso, la saturación, más que papel, es la saturación de información, de dudas, de preguntas, el mundo colapsado y consumista en el que vivimos. Escogí papel porque además de que es un elemento reciclado, además de que me lo regalaban, de que el blanco genera muchas posibilidades de luz, fue también porque el mismo papel podía generar muchas posibilidades de discursos. A mí me gusta mucho las imágenes chocantes hacia el público, me encanta construir una imagen que sea muy hermosa, pero por la situación específica de lo que pasa que sea trágica. Di, todo el blanco con el rojo hace como un shock, un contraste, en la mente de quien ve la obra. Acá es donde las fresas vienen a contrastar perfectamente con el blanco, también está su valor erótico, las utilicé como mecanismo para hacer el viaje del sexo, para que fuera algo más sutil, más simbólico. Me parecía innecesario hacer una escena sexual propiamente dicha, porque aun así, la gente comprende, uno oye al público con sus risillas ahogadas pero alrededor de un elemento más simple como las fresas. Ellos tienen la oportunidad de imaginar de lo que ven lo que deseen.

Yo escogí que mis actores fueran blancos, digo es que mucha gente me lo ha preguntado, porque bien que mal las actuaciones no son tan alejadas a la cotidianidad, tienen toques expresionistas por lo mismo del origen del texto. Pero lo que hice fue hacer a la gente sentirse como fuera de este mundo y que, adentro de ese espacio, se dé cuenta que la historia que se narra es absolutamente cercana. Cada espectador va a identificarse con los personajes según su historia de vida, yo creo que los personajes son una mezcla de muchas cosas en la vida de varias personas.

¿A qué publico va dirigida la obra?

Inicialmente la población era más que todo adolescentes, al ser una temática que la adolescencia, pero con el tiempo me di cuenta de que más allá de la adolescencia me interesaba que los mismo padres recordarán que también fueron jóvenes, que también tuvieron esas dudas. Con la visión de ese aspecto educativo como represor, que siente uno como adolescente, más allá de lo que sea o no realidad, sino de lo que el adolescente puede a veces percibir de los mismos profesores de los mismos papas, de la misma censura social.

¿Por qué considera importante este montaje en estos momentos?

Bueno, con todo lo que ha pasado y las guías de sexualidad…que hay como una gran necesidad…más que todo, en este país hay una doble moral que no nos deja crecer como seres humanos más completos, porque hay demasiados tabús, demasiados miedos, de la gente por hablar por informarse. Eso es lo que creo, era necesario tocar este punto que casi no tocan, donde los mismos adolescentes al ser aislados socialmente, porque no son ni niños ni adultos y tras de eso dentro de las misma temática del teatro, del cine, no se le da tanta prioridad a lo que les está pasando, por eso yo creí que era bueno retomar el texto de despertar de primavera para hablar sobre sus temas.

¿Cuándo fue la primera vez que se presentó este trabajo?

El año pasado, 2012, como por esta época. Y hemos tenido bastante avance porque he tenido prácticamente que, ocho meses más para que los actores se adecuen a los personajes, profundicen…inclusive metí algunas escenas que se me habían quedado afuera por falta de tiempo. Eso es lo rico de tener un proceso tan completo, se ve en los mismo actores donde ellos se nota que se apropiaron de la obra, o sea, ya esa obra no es mía. Para mí eso es lo más satisfactorio, yo confío plenamente en que si yo no puedo venir a ver una función ellos están ahí, super profesionales, saben qué hacer, tengo un maravilloso elenco, qué más puedo decir… (Risas)

¿Cómo ha sido está experiencia en relación con sus dos facetas de actriz y directora?

Para mí este montaje es mi primer bebé realizado (risas) ha sido un proceso muy divertido, muy rico, muy enriquecedor. Ha sido un proceso como de retarme y hacer algo que realmente es muy complicado y quién sabe si para la próxima me complique tanto. Fue bueno mandarse con todas las ganas y  hacer, más allá de que nos escogieran a mi compañera y a mí, una búsqueda de un impacto más allá, que la gente nunca pueda dejar de ver nada, que tenga que decidir que ver.

¿Cuál es la parte que más le ha gustado de todo este proceso?

Yo creo que a mí la sexualidad en general es un tema que me toca mucho, que me interesa, la sexualidad principalmente como tema general de la sociedad. Todo lo que tiene detrás ese tema, lo que son las relaciones humanas, más allá del contacto físico, es la forma en que nos relacionamos con los demás. En general, lo que más me gusta de la dirección es que uno se deshace de un montón de cosas que tiene ahí y ya no quiere, a pesar de haber tenido una relación familiar muy abierta, nunca fue como tan impuesto. Pero, si me pasaba que tenía muchas amigas, muchas situaciones alrededor que me hicieron también construir esa historia de esa manera. Uno trabaja y construye un montón de ideas que parten desde uno, aunque haya un texto, uno parte desde lo que a uno le interesa y eso se transforma con los actores para contar una historia, pero después de un tiempo ya uno se deshace de eso. Ya esa obra no es mía. Ya yo no estoy hablando sólo de mí, ellos también están hablando también de ellos, de las historias que han tenido, del público.

Yo ya estoy pensando que quiero hacer más, que quiero seguir creando proyectos, de cómo poder contarle a la gente historias, más allá de porque yo quiera contarlas, sino, porque la gente necesita oírlas.

entrevista a Natalia Mariño directora de Un Cadáver Exquisito

entrevista a Natalia Mariño 

directora de Un Cadáver Exquisito 

por Melissa Vargas

Nuestra Butaca

primera entrega

Esta décima temporada de jóvenes directoras del Teatro Universitario, presenta a demás de dos nuevas propuestas escénicas, a dos nuevas directoras: Natalia Mariño y Cristina Barboza. Que nos cuentan sus historias a través de la vida de la  polémica artista mexicana Frida Kahlo en Un Cadáver Exquisito y el extraño mundo de Frank Wedekin en Despertar de Primavera, respectivamente.

Ambas directoras nos hablan un poco sobre sus obras, y la experiencia que han tenido a lo largo de todo el proceso de creación. Natalia Mariño tiene la dirección y dramatugia de Cadaver Exquisito, una obra que utiliza, según nos comenta ella, la vida de la pintora mexicana Frida Kahlo, para contarnos la vida de muchas otras mujeres.

¿Cómo surgió la idea para realizar una dramaturgia y más adelante una puesta en escena, basadas en la vida de Frida Kahlo?

Empezó en uno de los cursos de puesta en escena de la escuela de artes dramáticas…y de ahí, buscando, me encontré con un texto que trataba sobre Frida Kahlo. Me enamoré. Empecé a investigar mucho más acerca de él; realmente me gustaron las temáticas que se presentaban a cerca de la vida de Frida. Yo monté la primera vez con base en ese texto, pero siempre quedó como un vacío en cuanto al discurso y lo que yo quería plantear. En el taller de dirección lo que decidí trabajar un discurso propio y una dramaturgia interna que saliera de nosotras, por todas esas cuestiones de derechos de autor y nosotros como estudiantes no tenemos acceso a poder pagarlos, por eso han surgido muchas propuestas de dramaturgia propia.

¿Usted quería contar la historia de Frida o la de otras mujeres, cual es el vacío en ese discurso?

Bueno, cuando yo me refería a un vacío en el discurso es que realmente a mí no me interesa hacerle un tributo a Frida Kahlo. Es una artista muy conocida a la que ya se le han hecho infinidad de tributos y mi idea iba más allá de eso. Era transformar esa biografía que está cargada de muchos aspectos, la dependencia amorosa, los padecimientos físicos, la incapacidad de ser madre, el arte, la pintura, la ideología política, la muerte…todas esas cosas que están en conjunto en la vida de Frida, por separado cada una puede ser el eje de vida de alguna otra mujer que no necesariamente es tan conocida. Sino que simplemente su nombre fue olvidado, etc. De ahí es donde surge que estas muchas cosas no sólo le pasaron a Frida sino a otras mujeres.

¿Cómo fue el desarrollo de la puesta en escena desde la primera vez que se encontró con el texto anterior hasta ahorita?

Bueno, en el primer texto que monté de la otra dramaturga, me surgió la idea de crear autorretrato y como Frida tiene tanto autorretratos…luego la idea evolucionó a etapas de la vida de Frida, de hecho, una de las actrices, la  que lleva el vestido blanco con franjas blancas, parte de un autorretrato llamado La Columna Rota. Las demás solo representan etapas de la vida de Frida, desde la juventud, las enfermedades físicas, la incapacidad de ser madre, la madurez emocional y la dependencia amorosa. Incluso la Katrina es una Frida para mí, a pesar de que su personaje tiene la  influencia de la muerte, pero desde el inicio la manejamos como una construcción de Frida. Me imaginé, ¿cómo soy yo, Frida, viéndome después de la muerte?

Es como un tipo de teatro de imagen, yo es que soy muy visual; partí construyendo imágenes y llenándolas de contenido y de ahí creando transiciones, etc. Aparte de que sí tenía claro que quería una estética muy detallada por esa cuestión como femenina, Frida se adornaba mucho por ejemplo, porque ella decía que se preparaba para la muerte y el detalle de arreglarse está en toda la obra.

Desde el 2011 que se viene trabajando y ahora con las presentaciones, se ha enriquecido mucho más la cuestión de la puesta. Todas las presentaciones que hemos tenido nos han ayudado a evolucionar, el estreno, estreno fue en Enero del 2013, en el FITLA en el instituto cultural de México, luego en la muestra del taller de dirección…ahí surgieron unas cosas, incluso ahora, en esta temporada, están  surgiendo nuevas cosas. Igualmente queremos seguir trabajando. La obra fue hecha con muy poca escenografía por el hecho de moverla, no es que tiene algo fijo a un lugar. Digo, de hecho aún estamos esperando poder continuar presentandonos, ahí han surgido varias convocatorias, la idea es que la vean muchas personas, llevarla a partes donde casi no tienen acceso al teatro…

en la segunda entrega hablaremos con Cristina Barboza y nos contará sobre su dirección también.

Viajemos en comedia y el Teatro Raíz

Viajemos en comedia y el Teatro Raíz

por Melissa Vargas

Colaboradora

Nuestra Butaca

El Teatro Raíz nace gracias a la colaboración de Catalina Calvo, Denise Duncan y Katherín Peytrequín. Una de sus metas desde la fundación, ha sido, poder presentar un espectáculo por año, en el cual, la puesta en escena les permita adaptarse a cualquier tipo de espacio; esto les da la ventaja de poder girar sus presentaciones, junto con la ayuda que Proarte les propicia.

La idea de presentar lo que ahora conocemos como, “Viajemos en comedia”, nació primeramente de Katherín Peytrequín, como ella nos comentaba, “ya estamos aburridos de tanta tristeza y deberíamos reírnos de la caca que nos pasa en la vida”. Al inicio, la idea de una comedia siempre había estado rondándoles la cabeza, jugando al sí y al no, hasta que la oportunidad de poder montar una se apareció. Aunque una de las prioridades del Teatro Raíz fuese la de presentar, en la medida de lo posible, obras de dramaturgia costarricense, para esta ocasión, nos deleitan con un espectáculo basado en Lope de Vega y Antón Chéjov, cuyos escritos llegan a compartir el espacio escénico junto con el dramaturgo costarricense Guillermo Arriaga; donde sus personajes, a pesar de ser de distintas épocas y lugares, siguen reflejando la vida cotidiana del colectivo.

Por otro lado, para entender un poco la dinámica del montaje, Peytrequín hace alusión, al proceso de creación de la puesta en escena: “las obras, llegaría a pensar uno, van en orden cronológico, pero no es así. Las acomodados según la facilidad de los actores en relación con la puesta en escena. Por eso es que el público primero ve al trágico como consecuencia de Antón Chejov, luego Las Aceitunas de Lope de Vega y por último, La guerra como Consecuencia, de Guillermo Arriaga”.

Sin embargo, para poder hilar cada una de las obras, el Teatro Raíz como tal, decide embarcarse con una nueva propuesta dentro de su trabajo, que es la incorporación del Stand Up Comedy. Más propiamente dicho por parte de la directora, “es la primera vez que trabajamos con este tipo de trabajo, después de todo, el Stand up es la comedia actual. Acá si existe ya una dramaturgia colectiva por parte de Catalina Calvo, Roberto Bautista y la mía. Donde disfrutamos bastante del proceso de creación”. El Stand up Comedy comienza a hacer una ilación de los hechos a partir de la vida de los actores; por eso, a manera de entremés, en lugar de salir o esperar afuera de la sala, uno está sentado, atento a la presencia de un solo personaje en escena que no hace más que interpretar su propio papel y contar las anécdotas de los trabajadores del teatro. Más propiamente, Katherine Peytrequín nos lo describe de una manera muy sencilla: “al inicio la gente se reía mucho, y a mí me daba cólera; no podía entender por qué se ríen de cosas que en verdad pasan. Hasta que luego me puse a pensar: di, te reís de lo que no te afecta directamente, pero son situaciones que te pasan, tal y como las situaciones en las obras de los tres autores que se están poniendo en escena. Por ser además la que tiene un contacto más directo con el público, ha sido la que más identificación ha causado con el mismo. Uno nunca sabe que esperar del público en esta parte, uno intuye lo que puede ocurrir en las demás pero, en lo que respecta al Stand Up, siempre hay sorpresa.”

“Viajemos en Comedia”, está cargado de la energía de actores y actrices, que se empeñan por llegar al público desde lo simple y no desde la grandeza de una gran escenografía o un exuberante vestuario. De hecho, los materiales usados en la puesta en escena, según confiesa Katherine Peytrequín, son en su mayoría, de materiales reciclados. Y a pesar de todo, el espectáculo se abre paso ante la mirada del público con la Rusia de Chejov y el las aceitunas de Lope de Vega. Junto a la guerra como consecuencia de Arriaga, y a la tragedia como comedia, de una vida dentro del teatro, para no permitirle al espectador apartar la vista, hasta que las luces anuncien el final del viaje.

 Por último, en lo que respecta a la experiencia personal de Katherine Peytrequín, tanto en su papel como directora como en el de actriz, para esta ocasión según nos comentó, tuvo que enfrentarse más a su yo como directora y a su yo como actriz. “Cuando estreno un montaje este ya no es mío, los actores se adueñan del espectáculo…cuando actúo y más aun cuando sustituyo, como hice en este caso con mi compañera Catalina Calvo. Siempre tenés el fantasma de la persona anterior. Por supuesto que el nuevo trabajo tiene de lo mío, no de mi visón de directora, sino de mis cualidades como actriz. Acá estoy expuesta a enterarme del resto y viceversa”. Sin duda, como ella nos comentaba, este espectáculo le ha traído muchas sorpresas y gratas experiencias, no sólo por el hecho de haber incursionado en el Stand Up Comedy por primera vez, sino que también, ha podido acercarse más al público en general y disfrutar de la reciprocidad de sus risas con la energía de los actores en escena. Por lo tanto “Viajemos en Comedia”, es una alternativa interesante para pasar el rato en compañía de nuestras propias tragedias teñidas de humor.

Temporada:

Del 15 al 24 de marzo, Viernes y sábado 8:00pm, domingos 5:00pm.

2x1 viernes y domingos

en el Teatro Universitario de la Universidad de Costa Rica, (100 mts este de la librería universitaria, calle de la amargura). 

Rodrigo Soto y Barbazul

RODRIGO SOTO y La hija de Barbazul

Barbazul llega al escenario y hoy hablamos un poco con el escritor de la obra, Rodrigo Soto, espectáculo que se encuentra en cartelera en el Teatro 1887 (CENAC), bajo la dirección de María Bonilla.

¿Por qué escribir La hija de Barbazul? Cómo nace?

La idea de escribir este texto nace del descubrimiento de que Gilles de Rais –un famoso sicópata de la historia de Francia y de Occidente- tuvo una hija. Gilles de Rais es un personaje bastante conocido en Francia y en otros países (diversos escritores han abordado su figura; entre ellos el costarricense Alexánder Obando en su novela “El más violento paraíso”) pero nadie, creo yo, había abordado este personaje desde la perspectiva de su hija. Por otro lado, el tema de la relación entre hija y padre es universal; por eso me pareció interesante.

¿Se involucró como escritor, dramaturgo dentro del proceso de montaje de la obra?

No. El montaje es enteramente responsabilidad y mérito de la directora María Bonilla y de su equipo de trabajo. Lo único que pedí, es que se incluyera ala actriz Milena Picado Rossi, pues la decisión de escribir el texto (que tenía en mi cabeza) surgió de una conversación con ella.

¿Cómo fue la experiencia? ¿Lo ha hecho en el pasado?

Asistí a algunos ensayos y pude ver la evolución y el crecimiento del montaje; por otra parte, durante la temporada he asistido a varias funciones y he podido ver como dicho proceso no se detiene. Esto ha sido fascinante. Aunque la misma directora había montado otro texto de mi autoría en el pasado, es la primera vez que tengo oportunidad de ver esta “maduración” de una puesta en escena.

Al ver la puesta en escena, rica en imágenes escénicas,dirección, actuación, imágenes multimedia y más, concidera que se ve plasmado lo escrito?

Este es uno de los aspectos más interesantes para mí: reconocer que las imágenes escénicas son de autoría de la directora, aunque para ello se haya inspirado o basado en mi texto. Al principio esto resultó difícil; ahora reconozco que me costaría imaginar la obra de una forma diferente a como lo hizo Bonilla.

¿Por qué debe verse La hija de Barbazul?

Creo que el tema de la relación hija-padre, en un contexto de violencia familiar, tiene actualidad. Por otro lado, la puesta en escena es muy cuidadosa, con hermosa música, buenas interpretaciones, excelente iluminación y vestuario y, en fin, todo lo necesario para disfrutar de un espectáculo de calidad.

La hija de Barbazul, de Rodrigo Soto

TEMPORADA del 24 de marzo al 17 de abril de 2011

de jueves a domingo

Teatro 1887, CENAC

más info: La hija de Barbazul

Denise Duncan y su obra: Juegos de Rol -Entrevista

Denise Duncan y su obra: Juegos de Rol

Hoy nos sentamos en nuestra butaca con Denise Duncan, una joven escritora que nos cuenta que en sus primeros pasos en Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica y en Estudios Generales, ya mostraba sus primeros textos, pero como ella misma nos dice “desde el 2002, más o menos... al menos como una ocupación “seria” por decirle de alguna manera” empieza a escribir teatro.
Algunas de sus obras son:
NEGRA (o nocturnal de una piel inoculada por el odio nuestro de cada día) -estrenada por Abya Yala 2009. Además ganó uno de los Accésit del Premio Marqués de Bradomín y se publicó en España en el 2005.
LATINAS, que está por estrenar Teatro Raíz, 2010
PEQUEÑA SESIÓN NOCTURNA DE AMOR
PETIT BASSET GRIFFON CORRIENDO EN LA NIEVE, estrenada en el Institut del Teatre, 2009
ACEPTA ESTE WALTZ
ELLA

Denise nos habla que en su adolescencia escribía poesía, teatro y en el colegio dirigía, adaptada obras y actuaba. Ya en la Universidad de Costa Rica “Hicimos un curso de teatro contemporáneo latinoamericano con Marco Guillén, y aunque él no lo sabe, a él le debo mi inclinación profesional. Marco nos comentó que si alguien tenía algo escrito, podíamos llevarlo a clase y los analizaríamos entre todos. Me apuré a terminar “Negra”, sin saber si era teatro exactamente o no. Lo llevé a clase, vi que funcionaba e interesaba y de ahí no he parado” agrega Duncan.

-Cuándo y cómo nació Juegos de rol ?
Juegos de Rol nació a finales del 2009, como un encargo. Un grupo de chicas en Barcelona están formando un grupo de teatro y querían hacer una obra inédita. Ellas plantearon el tema y a partir de ahí yo formulé la idea y escribí el texto. El tema propuesto fue "la falta de compromiso".

-Por qué escribir Juegos de rol?
El tema que me propusieron me llevó a pensar en cómo vivimos en nuestra sociedad, cómo se estructuran las relaciones personales, cómo funcionamos ante la aparente libertad absoluta. Es un tema tan abierto que empecé por hacer una lluvia de ideas, a asociar conceptos. Me hice una lista casi de escritura automática. Salieron algunos textos concretos, trozos.
Mientras tanto estaba leyendo y releyendo a Bauman y otros autores que hablan de la sociedad a partir de las vanguardias históricas y el presente posmoderno, como Lipovetsky, Baudrillard, Lyotard, Guy Debord... los conceptos me empezaron a abrir campos, por ejemplo, el concepto de simulacro, mercantilización del arte, el deseo como motor de la sociedad o la sociedad del espectáculo.

Juegos de rol participa este LUNES 7 de JUNIO dentro de la programación de LUNES DE TEATRO, en el Teatro 1887 (CENAC), Costa Rica.

-Cómo llegaste a LUNES DE TEATRO?
Tengo unas colegas con las que siempre intentamos trabajar. En unos días estrenan una obra mía y normalmente les paso mis textos; suelen ser mis primeras críticas. Son Katherine Peytrequín, Catalina Calvo y Raquel Salazar. Fuimos compañeras de estudios y trabajo y el vínculo se ha mantenido a pesar de la distancia física. Le pasé el texto a Katherine, lo compartió con Catalina y Raquel y decidieron presentar el proyecto. Y yo estuve de acuerdo, claro.

-Cómo ves tu participación en LUNES DE TEATRO?
La verdad que la iniciativa de Lunes de teatro me encanta. Hace unos años no había esta noción de lectura dramatizada y creo que es fundamental para dar a conocer a autores y textos nuevos, mucho mejor si además son nacionales. Creo que es maravilloso que entre todos decidamos que no sólo lo publicado merece llegar al público. En ese sentido me siento halagada y muy feliz. Espero que la satisfacción se contagie a quienes vayan o, en todo caso, que las críticas constructivas lleguen si tienen que llegar, porque es parte de mi trabajo como dramaturga.

-Que pasa con JUEGOS DE ROL, luego de Lunes de teatro?
No lo sé... en teoría se estrenará en Barcelona a finales de este año, en unos meses, pero aún no está definido.

-Algo más que querás agregar?
Sí. Que espero que Lunes de Teatro funcione como plataforma de desarrollo de la dramaturgia en el país. Creo, de hecho, que debería haber más iniciativas como esta... tenemos un país pequeño pero que -estoy convencida- necesita un empujoncito para demostrar que hay talentos en todos los ámbitos del teatro.


Actualmente Denise está terminando el curso lectivo de 3ero de Dramaturgia del Institut del Teatre, formando una asociación cultural con un par de colegas, pensando en el proyecto de final de carrera.

30 de mayo de 2010. © alex molina..

Miguel Rojas Premio Nacional de Teatro Aquileo J. Echeverría 2009

MIGUEL ROJAS y su compromiso social en la trilogía de teatro infantil
LA LÁMPARA ENCENDIDA, Premio Nacional de Teatro de Costa Rica, 2009.

Miguel Rojas, profesional de las artes escénicas, fue galardonado con el Premio Nacional de Teatro Aquileo J. Echeverría 2009, por su trilogía de teatro infantil titulada “La lámpara encendida”, galardón que entrega anualmente el Ministerio de Cultura. Rojas se desempeña como profesor de la sección de arte en la Escuela de Estudios Generales de la Universidad de Costa Rica, academia benemérita de la educación superior costarricense, que justamente este año 2010 celebra el setenta aniversario de su fundación.


Entre sus maestros teatrales ha contado con la herencia y relación directa de los tres dramaturgos costarricenses, D.Gallegos, A. Cañas y S.Rovinsky. Cabe mencionar algunas otras influencias de escritores costarricenses, como Joaquín Gutiérrez, Jorge Debravo, Eunice Odio, Carmen Naranjo, Carlos Luis Fallas, Fabián Dobles, Carmen Lyra, Carlos Gagini, Carlos Luis Sáenz, Emilia Prieto, entre muchos otros, además de su clara conciencia y cultivo de nuestro pasado precolombino nacional.


Cabe preguntarse de dónde le viene a Rojas su pasión y deleite por este arte universal. Así, en entrevista que le hiciéramos, nos dice:

- “Parecerá un poco descabellada la afirmación de que todos los seres humanos seguimos siendo niños no importa la edad que tengamos. Lo que nos distingue y diferencia es la pasión por jugar, imaginar y crear cualquier cosa, aun de la misma y aparente nada de nada. Pasión apasionada por la curiosidad, la exploración y la creación. Los que trabajan solamente con las manos hacen grandes aportes a la materialidad del progreso, pero los que cabildean su ocio en haceres de la mente y las cosas más elementales, adelantan a la humanidad. Quizá de mi humilde sencillez de cuna pude divertirme con lo más simple y gozar la construcción de historias para mí mismo. No hay secreto. Seguir siendo niños. Pero ubicados en cada etapa de la vida.”


La lámpara encendida se compone de tres obras de teatro infantil, con valor individual y encadenamiento conceptual de valores fundamentales para el respeto, equidad y armonía en la sociedad. Puede verse como imagen, literatura, como literatura dramática, como una propuesta integral de artes escénicas, como proyecto que construye actitudes y conductas de tejidos sociales comprometidos con su tiempo y con el futuro de la especie humana. Es cuestión de que cada uno haga su lectura y sea espectador de la imaginación creativa que se nos presenta con absoluta transparencia y libertad. En las tres obras se nota un juego artístico y dramático de relaciones de poder. “Es un pulso para el lector-espectador, que lo lleva con magia elemental de la escena hacia su propia realidad individual y colectiva. De cierta manera nos enfrenta con nuestras decisiones cotidianas, lo mismo que con las indecisiones y pasividad que nos arrastra a la queja, pero porque no hacemos nada por cambiar la realidad y la naturaleza opresiva de los que se granjean favores y beneficios con el poder”. Agrega Rojas.

Las tres obras son: La hormiguita laboriosa, La rana enojada, y Taller de juego.


La hormiguita laboriosa, nos acerca a un planteamiento socio-económico del obrero, la hormiguita trabajadora, previsora y honesta con su oficio, cual es, arreglar ropa ajena. Miguel Rojas nos dice: “Merodea el casero, el que quiere cobrar alquiler siempre adelantado, el que se deshace en su miseria disimulada de que todos somos iguales, pero yo tengo dinero; y por supuesto, no podía faltar el vagabundón, el que vive de los demás sin hacer nada, sin proponer acciones que dignifiquen su condición de ser humano, siempre arrimado con su lástima y pobrecito yo, pero quitado para trabajar. La hormiguita nos da valor con su ejemplo de laboriosidad; así, expone a los otros a que se les mire como lo que verdaderamente son”.

La rana enojada, nos recuerda que sin agua la vida entra en una encrucijada de vida y de muerte, por eso es un bien público y colectivo que debe cuidarse y distribuirse como bien común, nunca un negocio privado, donde los únicos beneficiados sean los ricos y el contubernio que tienen con los políticos corruptos. “Por eso la fábula de ranas como medio artístico antropomorfo nos muestra la corrupción de los políticos que hacen comercio con sus cargos para lucro de un grupo de poder y se saldrían con la suya de manera desmedida si la gente, la colectividad, no reacciona en defensa del mismo principio humano del derecho a la vida”. Señala Rojas.


Taller de juego, incursiona en el túnel del tiempo y el control que se pretende hacer de los otros mediante el uso y abuso del poder. Rojas es claro al decir: “Es una relación dramática tripartita con humanos, muñecos y robots donde se llega a la virtualidad a través del uso de la mecánica de los tiempos para mirarnos en el espejo social de todos los días. Como es un reflejo, podemos neutralizarlo por nuestra voluntad para que no se convierta en horrorosa realidad de enajenación y esclavitud”.

7 de mayo de 2010. © alex molina..

Al Encuentro con Arabella Salaverry

Al Encuentro con Arabella Salaverry

por alex molina

Vamos a sentarnos en la butaca con la escritora y actriz Arabella Salaverry, y conocer un poco sobre el II Encuentro Interoceánico de Escritoras que se realiza en la ciudad Panamá, con actividades en distintas sedes, en esta oportunidad entre el 24 al 28 de marzo pasado, siendo la sede principal la Universidad Latina de Panamá y con la participación de escritoras de distintos países de Latinoamérica.


Arabella nos dice que el “desarrollo del Encuentro es muy interesante, pues no es meramente académico. Confluyen espacios para las ponencias, lecturas de obra, experiencias de talleres de distinta índole”.


¿Quién lo organiza?
El Encuentro de Panamá se da gracias a la alianza entre instituciones estatales y privadas (Universidad de Panamá, Universidad Latina, TEC, Ministerio de Educación) y al trabajo de un equipo de mujeres emprendedoras lideradas por la académica Gloria Young” explicó Arabella.


¿En cuáles otros encuentros ha participado y cuál es el próximo?
He tenido la suerte de ser invitada a diversos encuentros y festivales. En Cereté, Colombia, en México a dos encuentros distintos, Panamá, Nicaragua y en fecha pronta Tulum, México. Todas estas experiencias profundamente enriquecedoras.


¿Qué se quiere con estos encuentros?
Entre las fortalezas del Encuentro Interoceánico de Escritoras, está el haber podido consolidar una alianza interuniversitaria, Ministerio de Educación y Secretaría de Cultura, vale decir, entre instituciones públicas y privadas, unidas por una causa común: hacer posible el espacio de reflexión, análisis y aprendizaje que propone la actividad.


Otro aspecto a destacar es el haber logrado asistencia de docentes, estudiantes y escritores y escritoras. Es decir, una propuesta de crecimiento capaz de permear distintas instancias, que trasciende el ámbito estrictamente literario y llega a la comunidad, cumpliendo así una función multiplicadora importantísima.

San José, Costa Rica
6 de abril del 2010.
© alex molina..